Приморская государственная картинная галерея: Ирина Миклушевская «Акварели», 3 марта — 3 апреля 2011 года
Выставочный зал:
г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Приморская государственная картинная галерея приглашает Вас посетить персональную выставку акварели Ирины Миклушевской художника, кандидата искусствоведения, члена Ассоциации искусствоведов.
Постижение мастерства
Акварельный мир, где яркие натюрморты с цветами и фруктами поражают сочностью и насыщенностью красок, а морские пейзажи с их утесами, бескрайним небом и особым коричневато-перламутровым воздухом перенесут к побережью, открывается на выставке Ирины Миклушевской в Приморской государственной картинной галерее.
Это первая персональная выставка художницы, ученицы Московской государственной специализированной Школы акварели Сергея Андрияки. Народный художник РФ, действительный член Российской Академии художеств, педагог, художественный руководитель школы, Сергей Андрияка входит в число ведущих мастеров современной акварельной живописи. Ирина, одна из лучших его учениц, также работает в технике акварели, но не той, знакомой нам всем, легкой и прозрачной alla prima, а классической многослойной акварели, обладающей огромными выразительными возможностями, секрет которой был почти утрачен в прошлом веке.
Акварель существует с давних времен: ею раскрашивали папирусы в Древнем Египте, была эта техника знакома этрускам, использовалась в Китае. В средние века акварельными красками выполняли иллюстрации и украшения рукописных книг (миниатюры, орнаменты). В XV веке с появлением гравюры на дереве, акварелью стали раскрашивать оттиски, чертежи, рисунки. В эпоху Возрождения появляются акварельные пейзажи, но лишь в XVIII столетии она становится самостоятельной живописью. Привычную для нас прозрачность и эфемерность акварельная живопись приобрела во второй половине ХХ столетия. Именно тогда большую популярность получила техника по-мокрому и утвердилась традиция вести такую живопись «alprima» (итал. alla prima), то есть делать работу за один сеанс, которая у большинства людей ассоциируется с атмосферой легкости и воздушности.
Оригинальность техники, в которой работает Ирина, состоит в многослойности акварели, которая выполняется постепенным наложением слоев краски друг на друга, иначе говоря — лессировками. Лессировки (от немецкого lasierung — покрытие глазурью) — прием живописной техники, состоящей в нанесении очень тонких слоев прозрачных и полупрозрачных красок поверх высохшего красочного слоя. Такой приём дает возможность ослабить или сделать более насыщенными краски, добиться синтеза и гармонии колорита, сделать его более богатым. Чаще всего многослойная акварельная живопись – это живопись с предварительным общим или моделирующим тоном, в некоторых случаях называемым подмалевком, поверх которого художник постепенно накладывает прозрачные слои краски, достигая определенной световой силы. Это так называемая классическая многослойная акварель, сегодня оказалась практически везде забыта, продолжая существовать лишь в Англии.
Во второй половине XVIII века началось мощное развитие английской школы акварельной живописи, которая по сей день считается самой выдающейся. Английская акварель большеформатная, панорамная, монументальная. В этой акварели встречаются и приемы масляной живописи, но здесь ничего невозможно исправить. Если в масле возможно при постепенном нанесении красочных слоев что-либо изменить, то в акварели все нужно заранее продумать и просчитать, поправить что-то потом уже невозможно. Английская школа акварели оказала огромное влияние на дальнейшее развитие искусства. Английские художники первые стали использовать акварель как живописное, а не только графическое средство. Техника акварели стала широко применяться прежде всего в пейзажной живописи, так как быстрота работы акварели позволяет фиксировать непосредственные наблюдения, а воздушность её колорита облегчает передачу атмосферных явлений.
К середине XIX века школы акварельной живописи появились практически во всех странах Европы, включая Россию. В России, развитие техники плотного многослойного письма акварелью по сухой бумаге связано с именами Карла (1799—1852) и Александра (1798—1877) Брюлловых, Александра Иванова (1806—1858), Петра Соколова (1791—1848) и других. Акварельная живопись России достигла исключительного расцвета в последние десятилетия XIX и первые два десятилетия ХХ века. К сожалению, в XX веке эта акварельная техника была почти забыта, отчасти потому, что многие новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными и быстро выцветающими.
Проблема здесь заключается в том, что часто и современные художники, и мастера прошлого не заботились о выборе качественного материала для своих творений. Поэтому вопрос о долговечности акварели вызывает жаркие споры. Но при внимательном и требовательном отношении мастера к материалам и соблюдении технологии живописи получаются произведения, способные прожить долгие столетия. И самое важное — это качество бумаги: её бескислотность и малый процент проклеенности. Современные недорогие сорта бумаги выполнены с использованием древесно-целлюлозной массы. В результате в толще листа остаются кислотно-щелочные остатки, которые как и метод глубокого проклеивания бумаги, под воздействием света и кислорода воздуха приводят к пожелтению и разрушению основы, ослаблению красочных пигментов. В связи с этим хочется подчеркнуть, что Ирина пишет на особой бумаге французского производства, выполненной вручную из натурального хлопка с бескислотной основой. Это означает, что срок хране ния акварелей практически неограничен, ибо им не страшны ни солнечный свет, ни перепады температур. В настоящее время в нашей стране уже давно не выпускают бумагу, пригодную для акварельной живописи. Зная это, опытные мастера используют те сорта, которые по старым технологиям производятся в ряде западных стран (Англия, Франция, Германия). Такая бумага дорогая, однако и произведение, на ней созданное, способно прожить долгие столетия. К примеру, в английских замках старые акварели и сегодня, начиная с XVIII века, висят на своих привычных местах, не боясь света и воздействия времени.
Ирина Миклушевская, как и её учитель, стремятся возродить технику, приемы, жанры русской классической многослойной акварели. Интерес Ирины к акварели имеет не только практический, но и научный подход. Тема её успешно защищённой диссертации на соискание учёной степени кандидата искусствоведения также связана с акварелью — «Романтические традиции русской акварельной живописи в первой половине XIX века».
Представленные на выставке пейзажи и натюрморты художницы написаны как с натуры, так и по памяти. Сделанные на пленэре многочисленные этюды являются важным подготовительным этапом при создании станковых акварелей. Пейзажи, выполненные летом, зимой, осенью, передают различные состояния природы, каждое из которых удивительно и привлекательно для художницы. В жанре пейзажа предпочтение отдаётся изображению морской стихии. Многочисленные этюды с видами моря отражают состояние, когда художница один на один общается с природой. Как пишет сама Ирина: «Изображение моря, возможно, является самой романтической темой в живописи. Ведь безбрежная гладь волн зовёт в дальние странствия к открытиям чего-то нового не только в неизвестных странах, но и в душе путешественника. Морская стихия позволяет человеку в полной мере проявить свои личностные качества. То есть именно море в любом своём состоянии созвучно душе романтика». Непосредственное общение с природой даёт возможность отказаться от стереотипов, передать увиденные состояния природы и воздуха, что становится результатом глубокого чувственного переживания автора.
Сложился круг излюбленных мотивов художницы: бескрайнее, волнующееся море и огромное небо над ним, утёсы, покрытые плотной растительной массой, и морская гладь; деревья, стоящие сплошь, или одинокие, с мощными купами и причудливым сплетением их теней на земле или снегу; залитые солнечным светом или затянутые грозовыми облаками морские пейзажи; волны, бьющиеся о берег или вспенивающиеся барашками от лёгкого ветерка. Каждый пейзаж, будь это станковая акварель или этюд, передают сиюминутное состояние природы, движение облаков в небе, колорит, свет, тень, а главное — бесконечное любование автора красотами земли.
Особое место в творчестве художницы занимают натюрморты. Акварельный натюрморт – явление редкое. В XVIII-XIX веках, когда техника многослойной акварели переживала свой расцвет, в ней, в основном, выполнялись портреты и пейзажи. Педагог Ирины Сергей Андрияка сумел вывести акварель на большой формат, доступный прежде только масляной живописи, развил жанр натюрморта, выполненного в технике многослойной акварели. Влюбившись в этот жанр и сделав его одним из ведущих в своём творчестве, Ирина пользуется средствами тонких тональных градаций, выдерживая единство конструктивного, колористического, компоновочного решения. Именно в натюрмортах художницы, в большой степени в отличие от других жанров, раскрывается композиционное мышление. В больших станковых листах она выстраивает отношения и организует смысловые столкновения изображаемых предметов. Её постановочные натюрморты с фарфоровой и металлической посудой, статуэтками, вазами, цветами и фруктами, старинными книгами и предметами быта отличаются изысканностью и оригинальностью замыслов, радуют глаз сочетанием света и цвета. Яркие краски и выразительные мазки, владение техникой классической многослойной акварели, вобравшей в себя лучшие традиции отечественной и западноевропейской школы, позволяют передать всё богатство фактуры: блеск металла, мягкость шёлка, прозрачность стекла и бархатистость восточного ковра.
В жанре на тюр морта художницу особенно за нима ет цве точ ный на тюр морт. В постановках, сочетающих букеты цветов и предметы из различных материалов, последние подчеркивают своими рукотворными качествами свойства растений, их фактуру, форму, цвет. В других работах художница сосредотачивает внимание на самих цветах, используя выразительные возможности фрагментарной композиции. В таких работах ничто не отвлекает от созерцания естественной красоты этих великолепных творений природы, она тонко чувствует красоту цветов, которая передаётся и зрителю. Так, через изображение обычных, ничем не примечательных предметов, которые автор наделяет символическими значениями, передаются настроение и внутреннее состояние автора.
Ставя перед собой новые творческие задачи, следуя традициям русской академической художественной школы, Ирина Миклушевская, предоставляет заинте ресованному зрителю, а в особенности любите лю и поклоннику акварели, уникальную воз можность, возможность общения с настоящим искусством.
Алёна Даценко
искусствовед,
главный хранитель
Приморской государственной картинной галереи
Ирина Миклушевская
Приморская государственная картинная галерея
Адрес: 690091, г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Телефон: +7 (4232) 411-144, 411-195
URL:
График работы: понедельник — четверг с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Адрес: 690106, г. Владивосток, Партизанский проспект, 12
Телефон: +7 (4232) 427-748
График работы: понедельник — четверг, суббота — воскресенье с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
